Ollie Binnie.
Al ver Escape Room el 27 de abril de 2024, no sabía qué esperar de esta comedia oscura y claustrofóbica, dado su marketing juguetón y comercial. Sin embargo, en cuanto me senté en mi asiento en el Teatre Talia, me di cuenta de que esta obra, escrita por Joel Joan y Hèctor Claramunt y dirigida por Xavi Mira, constituiría una poderosa alegoría de las tensiones sociales, los límites de cualquier amistad y las contradicciones de la vida contemporánea en Valencia. A lo largo de sus casi 2 horas de duración, esta producción buscó explorar temas de control social, confinamiento psicológico y la performatividad de las relaciones humanas. Lo logró magistralmente, combinando referencias culturales locales, humor ácido, suspense psicológico y una escenografía dinámica.
La premisa de Escape Room parece simple al principio: dos parejas con visiones políticas contrastantes deciden pasar una tarde en una ‘escape room’ con temática nazi en el barrio del Cabanyal de Valencia. Esta experiencia lúdica se complica cuando aparentemente se descubre que el mismo lugar ha sido escenario de un crimen macabro: apareció un cuerpo desmembrado dentro de la escape room. Esto sirvió entonces como catalizador para un elaborado juego teatral donde lo que al principio parecía entretenimiento se convirtió en un ejercicio de supervivencia emocional, psicológica y moral: los cuatro personajes de la obra parecían atrapados en la guarida de un asesino en serie. Las reglas del juego se volvieron difusas para el público y, a medida que pasaban los minutos, la línea entre la ficción de la escape room y la verdad de las relaciones personales se deformaba cada vez más. Así, la premisa de esta obra establece una clara propuesta para sí misma: ¿qué pasa cuando las amistades entran en crisis bajo un ambiente extremo?
El elenco de Escape Room estuvo compuesto por Lara Salvador, quien interpreta a una profesora universitaria feminista, políticamente correcta, votante del Sumar, con un flequillo desigual, que conoció en una protesta del 8-M a su novio protagonista, quien a simple vista parece aburrido, y secretamente votante del PP (interpretado por Xavi Mira). Él, a su vez, ha sido amigo de toda la vida de la torpe aspirante a actriz, vestida de leopardo y cuero, que parece devota a seguir todo lo que dice su marido (Josep Manel Casany), un director de cine fracasado, de camisa hawaiana y pantalones de mezclilla rotos, votante de Vox. Cada actor dio vida a personajes llenos de matices, revelando capas de resentimiento, envidia, frustración y miedo a medida que la acción se desarrollaba, y la química del elenco (a pesar de los personajes increíblemente variados) fue una de las claves del éxito de la producción para mí. A medida que las relaciones entre estos personajes comenzaron a fracturarse a lo largo de la trama, Escape Room planteó un conflicto profundamente humano: la fragilidad de los lazos afectivos. En una sociedad marcada por la competencia, la eficiencia relacional y la polarización política, los amigos se construyen y destruyen con una lógica y discurso instrumental. Esta obra me mostró cómo, en escenarios extremos, la desconfianza, el egoísmo, la hipocresía y la incapacidad de perdonar pueden surgir en todos, independientemente de lo diferentes que sean los personajes entre sí.
Este retrato social explorado en la obra no fue anecdótico, sino profundamente político. La erosión de los lazos sociales – abordada de una manera muy al estilo de Richard Sennett – fue dramatizada en un espacio cerrado donde los personajes no podían escapar físicamente de sí mismos ni de los demás. Las amistades entre los cuatro personajes (anteriormente una no tan sutil representación de cortesía y civismo forzado mientras intentaban resolver las pistas de la escape room y separarse lo antes posible) se disolvieron ante la evidencia de que no había unidad entre ellos, sino un conjunto de sujetos atrapados compitiendo para salvar su propio pellejo. De hecho, la obra subrayó aún más una performatividad en cada uno de los personajes, ya que sus máscaras se agrietaron bajo la presión del confinamiento. La escape room comenzó a pedir cada vez más pistas personales sobre cada uno de sus jugadores y, para escapar del asesino, se reveló que la esposa devota de Cristina García había engañado a Josep Manel Casany más de 30 veces, quien, a su vez, nunca creyó que ella tuviera talento para nada y le había dado papeles por lástima y amor. También se reveló que el personaje de Xavi Mira votaba secretamente por el PP y había asistido a la protesta del 8-M por error cuando conoció y se enamoró del personaje de Lara Salvador, lo que significaba que toda su relación se había construido sobre una mentira de valores comunes y que su personaje no era tan tolerante con las opiniones políticas diferentes como había afirmado. Todas las relaciones entre los personajes se desmoronaron a medida que el entorno los presionaba, y lo que parecía estabilidad emocional dentro de estas grandes personalidades se reveló como una teatralidad frágil. En este sentido de la revelación de los personajes, Escape Room casi operó como metateatro, ya que cada personaje ya no podía sostener las falsas personalidades que presentaba a los demás y sus identidades se descompusieron ante el público. La experiencia de la escape room se convirtió, de manera oscura y cómica, en una dramatización del colapso del yo en una era de sobreexposición emocional. Así, la obra exigió de sus actores un verdadero dominio de un vertiginoso ritmo teatral (con la obra presentando una cuenta atrás constante para la salida de los personajes de la habitación), el manejo de reacciones espontáneas ante situaciones absurdas o violentas, y una increíble capacidad para el trabajo físico dada la naturaleza del escenario, es decir, un espacio cerrado, lleno de objetos y simbolismo, todo lo cual fue tratado con destreza por el elenco.
Uno de los aspectos más impresionantes detrás de escena para mí fue la escenografía. De hecho, al descubrir que la escenografía original fue destruida por la DANA del 29 de octubre de 2024, cuando los almacenes de la compañía fueron inundados, me impresionó aún más. Este evento imprevisto puede haber dado la oportunidad de repensar ciertos elementos visuales y agregar detalles que enriquecieron la experiencia, ya que la escenografía fue visualmente impresionante. El resultado final fue un espacio escénico que reproducía de manera realista los elementos de una escape room, con puertas ocultas, luces intermitentes, códigos secretos y mecanismos que se activaban en la vida real ante nuestros ojos en el público. Esto sirvió verdaderamente a la tensión narrativa de la trama, evocando directamente la estética de los thrillers psicológicos con sutiles referencias a películas como Saw, Cube o The Game. Además, con un uso inteligente de un espacio escénico cerrado, una luz dura tipo oficina proveniente de luces fluorescentes prácticas en la escape room (comparado con luces cálidas de Fresnel para las escenas exteriores), realmente sentimos en el público que estábamos atrapados junto a los personajes. La iluminación y los efectos sonoros jugaron un papel central en esta producción, con cada ruido, cada cambio de luz o cada movimiento mecánico sincronizado con un ritmo dramático que generaba oleadas de incomodidad que aumentaban progresivamente. Los dos ejemplos más claros de esto para mí fueron: el continuo pitido de cuenta atrás ominoso en la pared posterior de la escape room; y la guillotina práctica como una de las tareas de la escape room, que fue el primer indicio de que algo podría estar mal. Esto hizo que la obra adquiriera tonos de horror teatral, sin abandonar nunca su naturaleza de comedia oscura.
Estas decisiones de escenografía en Escape Room también jugaron un papel fundamental en la dramaturgia, con el espacio escénico que para mí funcionaba casi como un dispositivo de control, creando un teatro de claustrofobia en el que residía el verdadero horror. El espacio cerrado y mecanizado de la escape room no solo funcionaba como una localización física en la obra, sino como un dispositivo foucaultiano de control. En la obra, los personajes se veían obligados a participar en un juego cuya lógica y reglas no conocían, sujetos a una vigilancia omnipresente e invisible. Así, la obra me presentó una analogía casi directa con los espacios modernos en la sociedad contemporánea: estamos constantemente evaluados, medidos, observados, incluso en nuestras relaciones más íntimas, al igual que los personajes en la obra tienen que revelar sus secretos más profundos para escapar de la habitación. El Teatre Talia, a través de esta producción, se convirtió en una especie de panóptico invertido: no solo nosotros, el público, observábamos a los personajes, sino que la misma lógica de la retorcida escape room los obligaba a exponerse entre ellos, despojándolos de sus verdades más ocultas. La escenografía fue central para este impacto, intensificando la sensación de asfixia, de falta de escape, en una sociedad para estos personajes donde cada elección ya era una trampa.
En esta línea, en la producción me sentí como espectador no como un mero testigo pasivo, sino como un voyeur casi moral. Al observar cómo los personajes se desmoronaban a medida que avanzaba la trama, el público se enfrentaba a nuestras propias contradicciones morales y políticas: ¿Hasta qué punto nuestras relaciones son auténticas? ¿En qué momento preferimos salvarnos a nosotros mismos a costa del otro? ¿Por qué empatizaba más con el personaje de Lara Salvador y creía que no había hecho nada de lo que arrepentirse? ¿Era porque compartimos valores sociopolíticos? ¿Fue este todo el comentario social que se encuentra dentro de la obra? Así, esta producción se convirtió en un laboratorio ético donde el público participaba en una experiencia colectiva de autoexploración. Este componente participativo, aunque no interactivo, casi recordó al teatro ético de Sartre, con cada escena planteando una decisión moral. Si la escape room simulaba una prueba para los personajes, la obra misma simulaba una para el público: una prueba de nuestra capacidad de empatía, autocrítica y resistencia al cinismo contemporáneo.
Una de las decisiones más innovadoras para mí fue la elección de representar la obra en dos idiomas, primero en valenciano durante 3 semanas, y luego en castellano durante las 7 semanas restantes de la temporada (la producción que yo vi). Hablando con el director, Xavi Mira, después de la producción, me comentó que la versión en valenciano no era una simple traducción, sino que incorporaba expresiones locales e idiomáticas y referencias culturales que resonarían especialmente con los valencianos. Esta dualidad en el guion no solo reflejaba el compromiso del Teatre Talia de montar teatro que representara la diversidad lingüística de la Comunitat Valenciana, sino que también permitió que el guion llegara a un público amplio. Esta decisión representa un teatro que se niega a ser neutral o descontextualizado geográficamente, con el idioma no solo siendo el medio de comunicación, sino también parte del contenido mismo. Si yo hubiera tenido un mejor dominio del valenciano, me habría interesado también ver la versión en valenciano y ver si los aspectos sociopolíticos se trataban, jugaban e interpretaban de manera diferente. Además, la ubicación de la obra en el barrio del Cabanyal era singularmente valenciana e incluía referencias sociopolíticas implícitas al urbanismo, la gentrificación y los problemas de seguridad, lo que introdujo una capa territorial en la interpretación y dio a la obra el espacio para abordar estos temas de una manera diferente dependiendo del idioma del texto. Al mantener esta obra una estructura dramática universal (con un guion preexistente), pero adaptarla a un contexto local específico, funciona bien como teatro ‘glocal’.
Otro aspecto destacado de esta obra fue su dramaturgia, particularmente la capacidad de mantener la tensión del público sin caer en clichés o excesos dramáticos (lo que hubiera sido más fácil con la casi naturaleza pastiche de cada personaje), así como la calidad del diálogo, el ritmo rápido con cambios de tono y el clímax progresivo entre escenas. Aunque disfrazada de comedia, Escape Room me pareció una obra profundamente crítica con la superficialidad de las relaciones sociales, la hipocresía de la clase media urbana y el culto al individualismo: cada uno de los personajes se enfrentó a dilemas éticos, secretos guardados durante años y traiciones latentes, todo bajo la apariencia de amistades y relaciones estables. Así, la escape room fue una metáfora del confinamiento emocional en el que viven los personajes, con la salida siendo moral y no física: ¿quién estaba dispuesto a mirarse a sí mismo sin su persona pública, y quién podría soportar las consecuencias de lo que ha callado? De hecho, la obra estaba estructurada como una sucesión de pruebas y acertijos aparentemente divertidos. Sin embargo, a lo largo de la trama, estos se pervirtieron de ser decisiones libres y voluntarias a ser decisiones morales impuestas y manipuladas. La escape room se convirtió en un simulacro sin la posibilidad de acción real, una puesta en escena de impotencia. Los personajes jugaban a escapar, pero estaban, como se reveló más tarde, atrapados en una estructura que imitaba la libertad mientras la negaba. Si deseamos profundizar más en esto, podría interpretarse que la trama misma imita de alguna manera el espectáculo de la libertad neoliberal: elegimos trabajos, amistades, partidos políticos, experiencias, pero siempre dentro de un rango pre-determinado de decisiones.
Esto no quiere decir que el guion se centrara únicamente en elementos de profundidad y horror. A mi juicio, uno de los mayores logros de la producción fue su capacidad para equilibrar lo trágico y lo cómico. Los toques de humor grotesco a lo largo de la obra permitieron que los aspectos de crítica social no se volvieran dogmáticos ni melodramáticos. A través del concepto absurdo, los personajes ridículos y los diálogos genuinamente divertidos, la obra abrió un espacio de libertad en el que el público podía reír a pesar de la miseria. Al mismo tiempo, este humor tenía un componente claramente brechtiano, distanciando al público del sufrimiento representado, evitando cualquier identificación empática total. En lugar de sentir lo que los personajes sentían, se nos invitó a reflexionar sobre ellos. Esta distancia crítica de Verfremdungseffekt fue especialmente eficaz cuando los oscuros secretos de cada personaje y sus relaciones aparentemente inocuas fueron revelados: nuestra risa se convirtió en un acto de juicio y en un mecanismo de análisis colectivo.
No obstante, esta no fue una producción perfecta para mí, con muchas fallas evidentes. La mayor de estas fue la resolución de la trama, que optó firmemente por enfatizar la comedia sobre el horror en el final de esta comedia oscura. La ‘última tarea’ dentro de la escape room con temática nazi consistió en que los cuatro personajes besaran una esvástica y luego hicieran un saludo nazi. El personaje de Lara Salvador se negó durante casi dos minutos, generando una intensa tensión hasta que finalmente cedió y realizó la tarea justo a tiempo. En este punto aún ‘perdieron’, y gas entró en la habitación como si fuera a matarlos. Sin embargo, luego se reveló que el personaje de Xavi Mira había planeado toda la trama para mostrar a los demás personajes cuán hipócritas eran sus personalidades externas: él y su novia estaban dispuestos a sacrificar sus valores fundamentales (aunque él por amor, y ella bajo una aparente situación de vida o muerte); sus amigos predicaban una verdadera historia de amor mientras se traicionaban secretamente entre sí. Luego, en lugar de que esta revelación enmarcara al personaje de Xavi Mira y esta elaborada trama (que involucraba conseguir una cabeza cortada real del hospital universitario) como lunática, todos los demás personajes lo perdonaron y reconocieron sus defectos, con el personaje de Lara Salvador aceptando intentar de nuevo su relación. Este giro empujó al género casi al territorio de la farsa y desestructuró todos los niveles de comentario social que había construido hasta ese punto, intentando redimir a todos los personajes deliberadamente profundamente antipáticos. Este extraño giro cognitivo resultó mucho menos humorístico y conmovedor de lo que habría sido si todos los otros personajes hubieran optado en su lugar por atacar verbalmente su obvia estupidez y, al hacerlo, revelar que tal vez él tenía razón.
Para empeorar las cosas, justo después de esto, se reveló que todos los personajes habían sido nuevamente engañados, y que el asesino en serie del Cabanyal era de hecho real, y había cerrado la puerta de la escape room, a punto de matarlos a todos. La obra terminó. Esto presentó un giro de trama slapstick completo, repentino e innecesario en plena farsa, que rompió cualquier tensión que el resto de la trama había construido, jugando con las risas en lugar de con el impacto, y eliminando cualquier mensaje para que el público se llevara a casa. Para mí, habría sido mejor eliminar completamente este último giro, o haber mostrado estas supuestas muertes a la audiencia para al menos generar algo de tensión para que el público se fuera con una sensación.
En general, encontré que la producción de Escape Room en el Teatre Talia no solo fue una comedia efectiva o una intriga bien construida, sino también una obra política y estética que utilizó las herramientas del teatro contemporáneo y la forma de una comedia oscura para explorar muchas patologías del mundo moderno. A través de la exploración de la superficialidad afectiva, la vigilancia, la crisis de las relaciones y la estetización del sufrimiento, la obra me devolvió preguntas en lugar de soluciones. Escape Room me invitó como espectador a pensar en mí mismo como un sujeto performático, atrapado en estructuras que simulan la libertad mientras organizan el control. Sin embargo, como espectador, hubiera preferido dejar el teatro sabiendo que la verdadera escape room no está en el escenario, sino en nuestra vida diaria. El final de la obra (deliberada o no) me sacó completamente de este estado mental, lo que resultó en que Escape Room se sintiera para mí más como una comedia oscura bien hecha que como algo más profundo. No obstante, para mí, fue un excelente ejemplo de teatro contemporáneo de alta calidad, combinando humor, crítica social, suspenso y un compromiso cultural.